Por Pablo Guallar
Durante el 2025 fui invitado por Pedro Ojeda a participar en el programa radial Mente Activa. La propuesta surgió a partir de un deseo compartido: rendir homenaje a David Lynch luego de su partida y reflexionar sobre el vínculo profundo entre creatividad, conciencia y meditación. Las charlas giraron en torno a su obra y su pensamiento, pero también a la manera en que su camino artístico y espiritual transformó no solo el cine contemporáneo, sino la vida de quienes nos acercamos a él con verdadera atención.
Hablar de David Lynch no es simplemente hablar de un director de cine. Es hablar de una forma de mirar el mundo. De un artista que expandió los límites del lenguaje cinematográfico y se animó a explorar territorios donde el sueño, la pesadilla y el misterio conviven con la realidad. Obras como Blue Velvet, Twin Peaks, Lost Highway y Mulholland Drive no solo redefinieron las posibilidades narrativas del cine, sino que empujaron al dispositivo audiovisual hacia zonas de experiencia que hasta entonces permanecían inexploradas.
Esa dimensión sensorial del cine de Lynch fue la que me marcó desde el inicio. Recuerdo la primera vez que vi Mulholland Drive en VHS, en mi casa. Mis padres la habían alquilado y yo debía devolverla al videoclub antes de que anochezca. Estaba preguntándome si verla o no y algo llamó mi atención: el cassette incluía un papel impreso con las “10 pistas para resolver el misterio de Mulholland Drive” propuestas por el mismo Lynch para acompañar el visionado del filme. Ese detalle despertó mi curiosidad de manera inmediata y me decidí a verla.
La experiencia fue transformadora. En la escena en la que las protagonistas se adentran en la noche rumbo al Club Silencio —un espacio que parece surgir directamente de los sueños más profundos— sentí una descarga física, una mezcla de electricidad y escalofríos que recorría mi cuerpo. No se trataba de emoción narrativa ni de comprensión racional, sino de una reacción corporal. Nunca había sentido algo así viendo una película. Al salir a devolver el VHS, tuve una certeza: algo había cambiado en mi manera de percibir. No el mundo en sí, sino mi relación con él. Comprendí que el lenguaje cinematográfico podía operar a un nivel profundo, más allá del relato o la explicación. Fui caminando al videoclub con un deseo naciente: podía dedicar mi vida al cine.
Con el tiempo, mi vínculo con Lynch se profundizó por otro camino. La lectura de su libro “Atrapa el pez dorado: Meditación, Conciencia y Creatividad” terminó de ordenar muchas intuiciones que hasta entonces permanecían dispersas. Allí, Lynch describe la creatividad como un proceso que se alimenta del silencio, la quietud y el acceso a niveles más profundos de conciencia. Yo quería experimentar esa dicha de la cual él tanto hablaba. Esa lectura fue decisiva y el 27 de diciembre de 2011 comencé a practicar Meditación Trascendental. A partir de entonces comprendí que dos dimensiones centrales de mi vida —el cine y la meditación— no eran recorridos paralelos, sino expresiones de una misma búsqueda y que el mentor de ambas había sido Lynch.
Para Lynch, el acceso a estados más profundos de conciencia no solo ordenaba su vida interior, sino que ampliaba el campo de su creatividad. Desde esa perspectiva, uno de sus aportes más lúcidos fue cuestionar una idea profundamente arraigada en la cultura artística: la creencia de que el sufrimiento es una condición necesaria para crear. Para él, el estrés es enemigo de la creatividad. Solía afirmar que, si Van Gogh no hubiese sufrido tanto, probablemente habría producido muchísimas más pinturas. Esta postura no niega la complejidad de la experiencia humana ni la presencia de la oscuridad, pero desmonta la romantización del padecimiento como motor creativo. La claridad mental, la estabilidad interior y el contacto con niveles profundos de conciencia aparecen, en su pensamiento, como las verdaderas fuentes de la creatividad.
En mi experiencia personal, la meditación trascendental fue decisiva para desarrollar mi potencial y consolidar mi estilo. Funcionó como una herramienta de orden interior que me permitió sostener procesos creativos largos y exigentes. Con el tiempo comprendí que esa estabilidad no era un complemento, sino una condición necesaria para profundizar en mi búsqueda artística.
A partir de ese recorrido, comencé a pensar la creación no solo como un acto de voluntad o control, sino como un territorio donde intervienen fuerzas más sutiles. Con los años fui observando cómo, cuando una intención es clara y el trabajo se sostiene con rigor, comienzan a producirse giros inesperados: encuentros, hallazgos, coincidencias que parecen responder a una lógica invisible. A ese fenómeno lo llamo Los Mecanismos Mágicos. No como una idea mística o sobrenatural, sino como una forma de nombrar aquellas sincronicidades que, al alinearse, modifican el rumbo de una obra y, muchas veces, de una vida. La acción de la ley natural, lo llama Maharishi Mahesh Yogui.
Hay un acontecimiento que considero bisagra en mi obra y proceso creativo. Sucedió cerca del final del rodaje de Crónicas de un exilio, un documental que realicé junto a Micaela Montes y que nos llevó más de 10 años de trabajo e investigación para poder finalizarlo. Años antes, durante la escritura del guion, habíamos imaginado una escena construida a partir de material de archivo de la dictadura militar argentina. Nos imaginamos imágenes inéditas, lo que en el ambiente del cine se llama Found Footage, no los típicos registros que aparecen en la mayoría de los documentales argentinos.
Una noche, manejando por Haedo, me encontré tirados en la calle unos rollos de 35 mm algo irreales; estaban ahí flameando en un cruce de esquinas. Estacioné el coche y me bajé a inspeccionar: Eran tres rollos, uno en muy buen estado y los otros dos bastante hongueados. En un pase casi mágico del destino, dentro de una de las cajas encontré un papel que daba indicios de que las imágenes podían tratarse de registros de la dictadura militar. Lo mismo que había escrito años antes. Luego de trabajar en conjunto con el archivo de RTA (Radio y Televisión Argentina), comprobamos efectivamente que se trataba de imágenes inéditas de la dictadura militar.
Ese hallazgo no solo permitió cerrar el documental desde una clave estética precisa, sino que confirmó de manera concreta la existencia de ese hilo dorado invisible que conecta el deseo, la intención y la realidad.
Comprender esos mecanismos —esas sincronicidades— fue una de las motivaciones centrales para iniciar mi nuevo largometraje, Los Mecanismos Mágicos, una aventura que venimos desarrollando en conjunto con Ariel Yamus y que actualmente se encuentra en una etapa avanzada de montaje. Allí intentamos profundizar en esa zona donde la creación deja de ser un acto meramente racional y de control, y se convierte en un proceso de contemplación y apertura a los eventos inesperados que pueden cambiar nuestra vida en cualquier momento.
Creo profundamente que el cine puede funcionar como un dispositivo para despertar y ampliar la conciencia, operando directamente sobre la forma en que percibimos y habitamos la realidad.
David Lynch entendió esto como pocos y dedicó gran parte de su vida no solo a filmar, sino también a compartir herramientas para que otros pudieran acceder a ese estado creativo profundo. A través de su fundación promovió la meditación trascendental y transformó miles de vidas.
Este enero de 2026 se cumplió un año de su partida física y también celebramos los ochenta años de su nacimiento. Lynch no solo cambió la historia del cine: cambió mi forma de mirar, de crear y de estar en el mundo.
Este texto, como mis películas y mis búsquedas, es un homenaje personal y un acto de gratitud.
Gracias, David.
Pablo Guallar es licenciado y profesor en Artes por la Universidad de Buenos Aires (UBA), guionista, productor y director cinematográfico argentino.
Su largometraje documental Crónicas de un exilio fue ampliamente reconocido en festivales nacionales e internacionales, obteniendo, entre otros premios, el Primer Premio en el FICIP, el Festival Nacional Leonardo Favio y el FICER, además de una distinción especial del jurado en el Festival del Cinema Ibero-Latinoamericano de Trieste. La película fue destacada por su abordaje sensible de la memoria y por el uso poético del archivo.
Actualmente se encuentra elaborando Los Mecanismos Mágicos, un largometraje en etapa avanzada de montaje, apoyado por el Fondo Nacional de las Artes, y The Flame of Blues, un largometraje de animación seleccionado en Animation! Ventana Sur y respaldado por el Mecenazgo de la Ciudad de Buenos Aires.
Paralelamente a su labor como realizador, Guallar desarrolla una sostenida tarea académica y formativa. Es docente universitario, investigador y autor de ensayos vinculados al cine, la estética y los procesos creativos, articulando práctica artística y reflexión teórica. Es creador y coordinador de Satori Cine Debate, un espacio de formación y encuentro dedicado al análisis profundo del cine como experiencia perceptiva y de conciencia, donde
coordina funciones, debates y ciclos centrados en películas transformadoras y autores consagrados.
Por Pablo Guallar
